Esclusivo | Il compositore di Final Fantasy Tactics, Hitoshi Sakimoto, conferma che "FFT è una roccia"

Da Breslavia a Londra

Il GMF è iniziato nel 2018 a Breslavia e da allora si è trasferito in sedi come la Royal Festival Hall e la Fairfield Halls di Londra. Mat e Marta, come si è svolto questo viaggio e quando avete capito che il festival poteva operare su questa scala?

Volevamo incontrare il nostro pubblico a metà strada e avvicinarci alle persone appassionate di game music, quindi portare il festival a Londra aveva perfettamente senso. Lì c'è una base enorme di fan dei videogiochi e per molti è molto più facile da raggiungere. Anche l'interesse da parte degli addetti ai lavori stava aumentando, per cui l'espansione a Londra sembrava il passo naturale e giusto.

Ricordo ancora di aver chiacchierato con Gareth Coker (il compositore di Ori e di altri successi) dopo uno dei nostri concerti a Breslavia. Abbiamo lanciato l'idea di fare un concerto di Ori and the Blind Forest a Londra, e lui si è acceso di entusiasmo. Insieme, abbiamo iniziato a lavorare su una nuova edizione londinese, inaugurandola con "La Sinfonia degli Spiriti", con musiche tratte da Ori and the Will of the Wisps e Ori e la Foresta Cieca. È stato un vero punto di svolta!

La pressione di Final Fantasy

Sakimoto, quest'anno lei festeggia 40 anni di composizione. Quando ha scritto la colonna sonora di Final Fantasy Tactics nel 1997, le sembrava una musica che sarebbe stata ancora eseguita dal vivo sul palco quasi tre decenni dopo?

Al momento della composizione, ero completamente assorbito dal lavoro e non pensavo affatto al futuro. Ma dopo che il gioco è stato pubblicato e ho visto la forte risposta, ho pensato: "Beh, almeno non è stato un fallimento totale" È una cosa strana. Ovviamente sono felice quando le persone apprezzano il mio lavoro, ma non posso prendere le loro parole al valore nominale, e spesso mi lascia con sentimenti contrastanti. Ho fatto del mio meglio, naturalmente, ma non credo di aver mai creduto che si trattasse di qualcosa che si sarebbe retto da solo come colonna sonora.

Mat e Marta, la GMF ha ospitato due concerti di Final Symphony con licenza ufficiale di Square Enix, nel 2023 e nel 2024, con la musica di Nobuo Uematsu e Masashi Hamauzu. Per una comunità come Final Fantasy Union, il cui pubblico è cresciuto con quella musica, cosa significa portare queste partiture in una sala da concerto?

Per la comunità di Final Fantasy molti di questi fan apprezzano profondamente la musica e sentono un forte legame emotivo con i giochi e la musica che li accompagna. La musica agisce come un vettore di queste emozioni. Riporta alla mente le sensazioni provate giocando al gioco e i momenti di vita ad esso legati. Per molti, sentirla dal vivo in una sala da concerto con un'orchestra completa, in una qualità di prim'ordine, è incredibilmente preziosa. Permette loro di immergersi completamente nella musica proprio in quel momento, senza alcuna distrazione.

"La performance dal vivo è pura emozione. È l'opposto della logica" - Hitoshi Sakimoto

Sakimoto, cosa si prova realmente a scrivere musica per un titolo di Final Fantasy? C'è una pressione legata all'eredità di questo nome, o la libera?

Ho sentito una grande pressione, soprattutto con Final Fantasy XII. Partecipare come creatore a un'opera che amavo personalmente è stato molto difficile. Per me, essere un fan ed essere un creatore sono fondamentalmente in contrasto. Alla fine, l'unica cosa che potevo fare era cercare di dimenticare completamente di essere un fan della serie e affrontarla come un lavoro completamente nuovo, dando il meglio di me.

Lei ha parlato in precedenza di aver sentito il peso dell'eredità di Nobuo Uematsu durante la composizione di Final Fantasy XII, al punto che ha provato a scrivere nel suo stile prima di allontanarsene. Cosa le ha insegnato questo processo sulla sua voce?

Può sembrare un cliché, ma mi è stato ricordato che ogni persona percepisce il mondo e produce risultati attraverso il proprio "dispositivo di input" e la propria mente, e che questo differisce completamente da persona a persona. Anche se gioco alla serie Final Fantasy e ascolto la musica di Uematsu, finché passa attraverso il mio filtro personale, l'approccio sarà inevitabilmente diverso. All'inizio ho faticato ad accettarlo, ma alla fine ho smesso di pensarci troppo. Con il senno di poi è ovvio, ma suppongo di aver avuto bisogno di tempo all'epoca.

Il suono di Ivalice

Final Fantasy Tactics e Final Fantasy XII sono molto diversi dal punto di vista tonale. Uno è radicato e quasi militaresco, l'altro è ampio e grandioso. Come si approccia a due giochi dello stesso franchise che richiedono mondi emotivi così diversi?

Come ha detto lei, musicalmente parlandofFT si concentra sull'equilibrio emotivo delle persone in tempo di guerra, mentre FFXII presenta l'intero mondo come vivido e pieno di speranza. Questo riflette il tipo di retrogusto che il signor Matsuno voleva per ogni opera. Concretamente, con FFT, ho cercato di trasmettere la sensazione di ricerca del proprio senso di giustizia in un mondo oppressivo. Con FFXII, ho enfatizzato i forti contrasti di colore e ho lavorato per mantenere questo tono anche nelle sezioni centrali e successive più pesanti.

Ivalice, il mondo condiviso da Final Fantasy Tactics e Final Fantasy XII, ha un suono molto specifico. Lei lo ha descritto come puramente orchestrale, perché è questo il suono che la fantasia dovrebbe avere. La sua definizione di suono fantasy è cambiata negli anni successivi?

Non sono sicuro che "orchestra pura" sia il termine giusto, ma ho cercato di utilizzare il maggior numero possibile di strumenti orchestrali tradizionali. L'orchestra è un formato consolidato, ma continua ad evolversi. Credo che questo sforzo continuo sia ciò che ha plasmato la sua storia e mantenuto viva la sua brillantezza. La mia orchestrazione è piuttosto anticonvenzionale, ma ho cercato di confezionarla con i miei ideali e le mie speranze per l'orchestra. Questo rispetto non è svanito. Personalmente, preferisco un suono orchestrale senza sintetizzatori e senza fare affidamento su un mixaggio pesante.

Ci sono momenti nelle sue colonne sonore di Final Fantasy Tactics o Final Fantasy XII che ha sempre sentito come limitati dall'hardware dell'epoca e che un'esecuzione orchestrale dal vivo le permette finalmente di realizzare appieno?

Quando lavoravo sull'hardware dei giochi, quella era la forma finita per me, e miravo a realizzare qualcosa che gli strumenti dal vivo non potevano replicare. Naturalmente, questo rendeva estremamente difficile eseguire questi pezzi dal vivo così com'erano. Ma le tecniche di esecuzione hanno continuato a migliorare e, cosa più importante, un numero maggiore di musicisti che amano i giochi sono ora disposti ad affrontare queste sfide. Sono davvero grato per questo.

Rock, codice e orchestra: l'annoso dibattito viene messo a tacere

Lei ha iniziato a costruire i suoi driver audio prima di comporre. Era essenzialmente un programmatore prima di tutto. Quanto questa base tecnica influenza ancora il suo modo di pensare alla musica, in particolare quando si tratta di adattarla alle performance dal vivo?

Ero un nerd della matematica, ma onestamente, un approccio matematico non ha aiutato la mia musica. Forse è stato addirittura dannoso. (Ride) Fortunatamente, me ne sono reso conto presto, quindi mi sono imposto di evitare il ragionamento logico quando si tratta di musica. Invece, mi sono allenato a fare affidamento sui miei sensi e a costruire l'intuizione attraverso l'esperienza, esplorando anche modi per creare sorpresa. Le performance dal vivo sono pura emozione. È l'opposto della logica. Ma ci sono punti in cui si intersecano, e ho visto molte nuove interpretazioni emergere da questa intersezione. C'è molto da imparare dalle performance dal vivo.

Le sue maggiori influenze dichiarate sono YMO, Kraftwerk e gruppi rock progressivi come Emerson, Lake and Palmer e i primi Genesis. Tuttavia, le sue colonne sonore sono quasi interamente orchestrali. Come riesce a conciliare queste due cose, e c'è ancora qualcosa di quel DNA elettronico nelle colonne sonore di Final Fantasy Tactics e Final Fantasy XII?

Certamente. C'è sicuramente. FFT è rock! La tuba e il trombone agiscono come una grancassa, mentre altri strumenti assumono il ruolo di rullante e hi-hat. Ritmi simili a quelli della chitarra si intrecciano e guidano la melodia, e c'è persino un senso di voce. Pur incorporando i punti di forza degli strumenti orchestrali, sotto c'è essenzialmente una struttura di band. Ci sono anche dei ritmi meccanici, simili a quelli della techno della prima musica elettronica! (ride)

Lei ha fondato Basiscape per avere maggiore libertà creativa. In che modo la gestione dello studio ha cambiato il suo modo di scrivere?

Onestamente, ho avviato la società sperando che avrebbe reso le cose più facili, ma si è rivelato piuttosto impegnativo (ride). Detto questo, la possibilità di dividere il lavoro mi ha permesso di imparare da persone con stili completamente diversi. Questo è stato incredibilmente prezioso. Non si tratta solo di tecnica. La diversità dei modi di pensare è davvero importante.

Esecuzione dal vivo

La musica dei giochi è progettata per andare in loop, rispondere e respirare in modo diverso a seconda di ciò che fa il giocatore. Quando si adatta questo per l'orchestra, cosa deve cambiare e cosa si deve lottare per mantenere?

Questo non vale solo per le orchestre, ma quando creiamo colonne sonore, cerchiamo di scrivere la musica in modo da sfruttare i suoi punti di forza intrinseci. Ciò significa guidare le emozioni per un lungo periodo di tempo ed evocare un senso universale di dramma nell'ascoltatore. Il suono orchestrale, in particolare, non ha abbellimenti inutili e offre un'ampia gamma di colori e dinamiche, il che lo rende un mezzo ideale per questo scopo.

Mat, in qualità di Presidente della Fondazione, lei ha una visione strategica. Final Fantasy ha una fanbase globale che è profondamente legata alla sua musica. Come affronta la programmazione per un pubblico che ha già un rapporto personale con queste partiture prima ancora di sedersi?

Mi piace che il pubblico dei nostri concerti abbia un legame emotivo così forte con la musica che presentiamo. Da un lato, è una soddisfazione immensa. Si possono osservare queste emozioni dal vivo durante l'esibizione. D'altra parte, questa carica emotiva comporta una grande responsabilità. Può sembrare strano, ma durante le prove mi concentro profondamente sulla musica stessa. Durante il concerto, però, mi piace guardare con discrezione il pubblico e i loro volti concentrati e pieni di emozioni.

Con la serie Final Fantasy, questo è particolarmente accentuato. La sua musica è superiore persino al mondo già emotivo delle colonne sonore dei videogiochi, per quanto riguarda la connessione con il pubblico. Ciò significa avere a che fare con ascoltatori che hanno aspettative specifiche, che conoscono il materiale a memoria e che hanno forti ricordi legati ad esso. Produrre un concerto di questo tipo richiede una cura meticolosa e un'attenzione ad ogni dettaglio.

"La sua musica è di gran lunga superiore anche al mondo già emotivo delle colonne sonore dei videogiochi" - Mat Pawlak

Sakimoto, lei ha già assistito ad esibizioni dal vivo del suo lavoro, in occasione di Distant Worlds e del concerto dell'Orchestra Hoshirabe a Tokyo. Sentire un'orchestra che suona la musica che lei ha scritto è come ascoltare qualcosa di familiare, o diventa qualcosa di nuovo ogni volta?

Spesso è una sensazione nuova e molto stimolante. Le interpretazioni possono differire da ciò che intendevo originariamente, ma è perché gli arrangiatori hanno ritenuto che queste scelte fossero necessarie. Imparo molto dall'ascolto.

Cosa la ispira quando sente il suo lavoro eseguito dal vivo davanti a un pubblico?

Ascoltare la mia musica può essere un po' inquietante, ma vedere il pubblico che la apprezza e immergersi in quell'energia è incredibilmente confortante. Mi dà il coraggio di continuare ad andare avanti. Poter acquisire forza in questo modo è davvero una benedizione.

I colori dell'armonia

Il concerto si intitola 'I colori dell'armonia'. Che cosa significa questa frase per lei personalmente nel contesto di una carriera che spazia dagli RPG tattici, alle epopee fantasy, ai mondi pittorici di Vanillaware e agli anime?

Non ho inventato io il titolo, ma esprime perfettamente il mondo a cui ho puntato, il che mi rende molto felice. Spero che le persone apprezzino i temi di ogni gioco e la musica che li fa rivivere.

Mat e Marta, The Colors of Harmony si concentra sul lavoro specifico di Sakimoto, piuttosto che sul catalogo più ampio di Final Fantasy. Per i fan di Final Fantasy che non conoscono i suoi titoli Vanillaware come 13 Sentinels o Odin Sphere, cosa vorreste che traessero dall'ascolto di questa musica accanto alle colonne sonore di FF che già amano?

Raramente facciamo concerti così completi e trasversali. Più spesso si tratta di concerti monografici, incentrati su un gioco o una serie. In questo caso, stiamo facendo una panoramica del lavoro del compositore. Questo è il filo conduttore dell'intera colonna sonora. Stilisticamente, le colonne sonore possono sembrare diverse a volte, ma in definitiva sono unite dallo spirito artistico di un unico creatore. Abbiamo pensato che sarebbe stata un'esperienza intrigante. Ci saranno sicuramente dei fan al concerto che conoscono l'intera opera di Hitoshi Sakimoto. Per loro sarà una vera festa. Ci saranno anche persone che verranno solo per l'ampio segmento di FF, senza conoscere gli altri suoi titoli. Speriamo che per loro sia una scoperta del lato sconosciuto della creatività di questo maestro giapponese.

"Quando gli artisti collaborano liberamente, creano qualcosa di veramente magico" - Marta Pawlak

Marta, il suo ruolo alla GMF è incentrato sulle sedi e sulla logistica per realizzare questi concerti. Cosa occorre per portare un compositore come Sakimoto su un palcoscenico come il Fairfield Halls, e cosa non vede mai il pubblico in una serata come questa?

Invitare un compositore richiede una pianificazione meticolosa e la collaborazione di molti team, oltre a prendere in considerazione gli eventi inaspettati e la flessibilità necessaria per gestire i colpi di scena. Per prima cosa, proponiamo la visione del festival al compositore e allo sviluppatore del gioco, convincendoli dell'idea del concerto.

Una volta superate le approvazioni formali e la burocrazia, ci immergiamo nella parte artistica: ingaggiare orchestratori di alto livello per creare arrangiamenti adatti a un concerto con una drammaturgia avvincente. Le colonne sonore dei videogiochi spesso comprendono ore di musica, quindi le trasformiamo in un concerto coinvolgente di 1-1,5 ore, che affascina gli ascoltatori. Allo stesso tempo, dobbiamo occuparci della logistica, dalla definizione della data del concerto all'organizzazione del viaggio e dell'alloggio per l'artista e il suo team. Dobbiamo tenere conto di molti rischi legati alla logistica, ad esempio che non si verifichino circostanze avverse che impediscano l'arrivo del compositore.

Il pubblico non vede mai il dietro le quinte, l'enorme quantità di e-mail, le riunioni con il compositore e lo sviluppatore del gioco, o la regolazione degli orari. Si tratta di molti mesi di preparativi e di risoluzione di problemi improvvisi che si presentano.

Ma la vera ciliegina sulla torta? Creare un'atmosfera accogliente, in modo che tutti sul palco si sentano a proprio agio. Quando gli artisti collaborano liberamente, creano qualcosa di veramente magico. Alla fine, il successo significa pubblico entusiasta e artisti felici, che assaporano l'effetto finale.